1. Ejercicio Referentes

Este es el primer ejercicio del curso, y consiste en realizar una investigación y posterior presentación en clase (por grupos) de uno de los personajes emblemáticos de los inicios del cine, en este caso se trata de Emile Cohl.

Este trabajo sirve como toma de contacto con la historia del cine.

Procedo a escribir el trabajo realizado en conjunto con mis compañeras:

Biografía

Émile Eugène Jean Louis Courtet, conocido como Émile Cohl, nacido en París en el año 1857 y fallecido en el sur de la capital francesa, Villejuif,  en el año 1938, fue un artista bohemio de la época, poeta, comediante, fotógrafo, director, caricaturista y dibujante, que ostenta el honor de ser uno de los pioneros creadores de  los dibujos animados; la paternidad de los mismos, ha sido atribuida al artista galo por diferentes  historiadores franceses   (figs. 1, 2, 3 y 4).

Figura 1. Placa conmemorativa   

Figura 2. Cohl trabajando en sus últimos años.

Perteneciente al movimiento artístico de “Los Incoherentes” (considerados como los antecesores del movimiento “Dada”, con una filosofía anti artística provocadora y vanguardista, que se posiciona en contra de los esquemas artísticos tradicionales), obsesionados con la locura como un elemento estético en el que basar sus creaciones. Cohl centró parte de su trabajo, en dibujar ilustraciones y crear fotografías, consideradas más tarde como surrealistas, para dicha corriente. Movimiento francés efímero basado en la sátira, con obras irracionales e iconoclastas (fig. 6), que anticipó muchas de las técnicas asociadas posteriormente al vanguardismo.

Figura 3.  Un joven Cohl a la izquierda, junto a su amigo, maestro y mecenas André Gill.

Figura 4. Retrato del artista en una época de su vida

Figura 5. Retrato del artista en una época de su vida

En una exposición en el año 1883, su coetáneo el artista Sapeck, Eugène Bataille, realizó su “Mona Lisa fumant la pipe”, bajo las novedosas doctrinas del movimiento al que ambos pertenecían (fig. 6).

Figura 6. “Mona Lisa fumant la pipe” Sapeck, Eugène Bataille 1883

Los “Incoherentes” fueron muy conocidos en la Francia de la época, a pesar de que su existencia no se prolongara mucho en el tiempo. Comenzó su decadencia a partir del año 1890, dando paso a nuevas corrientes, algunas de ellas basadas en la suya.

Émile, hijo de un comerciante de caucho, pasó su primera juventud desempeñando trabajos para un joyero o un filatelista, pero siempre destacó por su afición al dibujo; se sentía atraído por el ambiente artístico y bohemio del París de entonces.

Su atracción hacia ese entorno le llevó a acercarse a André Gill, afamado caricaturista del momento, que publicaba en el periódico “La Lune”, muy crítico con Napoleón III, por lo que acabó en la cárcel en más de una ocasión.Figura 7. Caricatura creada por Émile Cohl, para el periódico “La Nouvelle Lune”

André se convirtió en mentor y amigo de Cohl, y lo introdujo en el mundo de la caricatura satírica de la época. De ese modo, Émile desarrolló un estilo influenciado notablemente por el de su maestro, donde el representado, tenía una cabeza muy grande y un cuerpecito minúsculo (fig. 7), basado en las marionetas. Adoptó aquí el seudónimo de Émile Cohl, como se le conocería durante toda su vida, desplazando su auténtico apellido Courtet.

Dentro ya de este mundillo, se introduce en el círculo de los Hidrópatas, con ideas modernas ligadas a la poesía y a un ambiente bohemio. Tras la desaparición de los mismos, Cohl pasó a formar parte de los Incoherentes.

Émile contrajo matrimonio dos veces y tuvo dos hijos. El primero, una niña llamada Andrée en honor a su amigo Gill, con su primera esposa Marie Louise Servat, que lo abandonó posteriormente por otro artista; más tarde tuvo un varón llamado André Jean, junto con su segunda esposa, hija de un pintor.

Tras la muerte de su maestro Gill, olvidado por el público y la crítica, en un sanatorio de enfermedades mentales, Cohl deja a un lado la caricatura y se dedica a crear  tiras humorísticas, para revistas y periódicos.

En esta época, su faceta artística se centra menos en el escenario y más en la narración de historias, contribuyendo en “L’Illustré National”, donde proliferaron las conocidas tiras cómicas de Cohl (figs. 8 y 9)  

Figuras 8 y 9. Tiras cómicas creadas por Emile Cohl para diferentes publicaciones de la época

Era habitual, que los productores cinematográficos se basaran en esas tiras cómicas que aparecían en la prensa, como base documental en la creación de los guiones de sus películas de imágenes reales. El productor de cine Gaumont utilizó una de esas tiras creadas por  Émile, omitiendo el pequeño detalle de pedir el consentimiento del autor, de modo que, al enterarse el perjudicado, se presentó en la oficina de los estudios para reclamar sus derechos. Lo cierto es que Cohl salió de allí con un contrato como guionista bajo el brazo.

La productora no tardó mucho tiempo en descubrir el talento del artista, por lo que le ofrecieron dirigir las películas de sus propias tiras cómicas. Gracias a su trabajo en los estudios, adquirió grandes conocimientos cinematográficos, que le servirían posteriormente en sus creaciones animadas.

Por aquel entonces, una película americana (“El hotel encantado”, James Stuart Blackton, 1907), causaba sensación en Europa, debido a que los objetos inanimados que aparecían en ella, cobraban vida. Al no descubrir cómo se había conseguido el efecto, se le conoció como el “movimiento americano”. Émile descubrió cómo lo habían conseguido y en 1908, decide crear su propia película de animación de stop-motion “Fantasmagorie” (término utilizado para nombrar a un aparato óptico, la linterna mágica, usada anteriormente para proyectar imágenes) donde utilizó más de 700 dibujos, rodados consecutivamente, usando el mismo sistema que su coetáneo americano (fig. 10). El film ha sido considerado como el primer cartoon, de ahí que se atribuya a Émile Cohl  la invención de los dibujos animados, aunque la prensa de la época le reconociera primero este hecho a Pat Sullivan, cuando éste falleció.

  Figura 10. Partes del proceso de la película de animación “Fantasmagorie”

Los escenarios simples donde se alojan sus sencillos personajes, les permiten desenvolverse en un entorno narrativo, de gran creatividad, donde la metamorfosis en las escenas tiene un papel crucial.

Realizó muchos estudios en este campo y sentó las bases del sistema universal de la creación de los dibujos animados. Procedimiento utilizado muchos años, hasta la irrupción de los ordenadores en la industria. Calca todas las fases de movimiento de sus personajes, con un simple papel y una mesa de luz como soporte. Innovó creando a su héroe animado fantoche, que formó parte de algunas de sus obras.

Era el único animador que dedicaba todo su tiempo y esfuerzo a la creación cinematográfica. Debido a las exigencias del estudio para el que trabajaba, la obligación de elaborar una gran cantidad de películas en muy poco tiempo, Cohl modificó su procedimiento de creación animando con figuras recortadas, intercalándolas con imágenes reales, que le permitían abaratar costes e invertir menos tiempo en su elaboración. Gran parte de sus creaciones, están formadas por imágenes reales y por secuencias animadas.

Figura 11. Cohl con algunas de sus marionetas

La temática más recurrente de este artista, se basa en sueños, pesadillas y alucinaciones, que transcurren en sus piezas absurdas e irracionales, propias de la corriente artística a la que pertenece. Sus personajes animados a base de dibujos, recortables y hasta marionetas, se entremezclan con personajes reales, de un modo incoherente, como mandan los cánones de esta etapa dentro del mundo del arte (fig. 11)

Estuvo un tiempo trabajando para  Gaumont realizando un gran número de películas, hasta que decidió cambiar de estudios y empezó a crear para Pathé, donde también comprobó que las condiciones laborales no eran todo lo aceptables que debieran.

Posteriormente se trasladó a América (año 1912), donde se encargaría de adaptar a animación las tiras cómicas de Geo MacManus,  basándose en el estilo de sus dibujos,  que dotaron  a este último de un notable éxito, aunque no realizara ni uno solo. La serie “Newlyweds”, obtuvo tal aceptación entre el público americano, que abrió el camino de la animación en ese continente,  mostrando las enormes posibilidades de este sector. Debido a la gran guerra europea (1914-1918), ya no pudo continuar con su trabajo americano, de modo que, sirvió en la contienda realizando trabajos de propaganda. Entre el 1908 y el 1921, Émile realizó más de doscientas películas de animación, muchas de ellas, desaparecidas hoy en día. En el año 1914, tuvo lugar un incendio en su casa,  donde se perdieron la mayoría de sus películas realizadas en América. Acabó su trabajo de creaciones cinematográficas en el 1923, ya con el declive del cine francés y el auge del americano.

Dedicó prácticamente toda su vida al cine y la animación, y aunque su trabajo fue prolífico y conocido, Émile muere olvidado, arruinado y casi demente en un hospital de Villejuif en el año 1938. La historia se repite, y las condiciones de su fallecimiento, comparten casi las mismas que las de  su gran amigo y maestro André Gill. Lo cierto es que Cohl, gran experimentador, creó escuela, y muchos artistas posteriores se basaron en su trabajo para forjar sus carreras. 

Contexto histórico

El cine nació en 1894 con la invención del cinematógrafo de los hermanos Lumière, sin embargo, el género cinematográfico en el que destacó Émile Cohl fue el de la animación, que nació años antes.

De la mano de Joseph Plateau nació en 1829 el fenaquistiscopio, aparato que consistía en una placa circular y lisa que contenía varios dibujos de un mismo objeto variando ligeramente las posiciones. El fenaquistiscopio creaba la ilusión de movimiento al girarlo frente a un espejo, aunque posteriormente Plateau integró otra placa con pequeñas aberturas equidistantes a través de las cuales observar la placa con las imágenes, esto para eliminar la necesidad de contar con un reflejo. A este dispositivo le debemos también la utilización de 16 imágenes por segundo aplicados por los primeros cineastas, ya que Plateau descubrió que ese era el número óptimo de imágenes para generar la ilusión de movimiento.

Figura 1. Fenaquistiscopio

En 1834, apareció el zootropo de William George Horner que resultó ser un juguete muy popular en la época, consistía en un tambor circular con unos cortes a través de los cuales el espectador observa los dibujos.

Figura 2. Zootropo

Figura 3. Ejemplo de animación generada por un zootropo

El praxinoscopio de Émile Reynauld perfeccionaba el zootropo en 1877, las escenas que representaba ya no eran cíclicas, sino que resultaban breves escenas humorísticas con argumento, además de añadir música y efectos sonoros compuestos por él mismo. Reynauld perfeccionó el praxinoscopio y generó el teatro óptico, con el cual hizo representaciones públicas durante 10 años en el museo Grévin de París hasta la aparición de los hermanos Lumière.

Figura 4. Praxinoscopio

Como hemos comentado más arriba, en la biografía de Cohl, en 1907 apareció la película “Humorous phases of funny faces” de Blackton, que utiliza la fotografía de stop-action para dar vida a objetos inanimados, esta técnica se divulgó y nació el stop-motion como lo conocemos hoy en día. En 1908 nació “Fantasmagorie” de Cohl gracias a la técnica de Blackton.

Earl Hurd perfeccionó la técnica de animación con el uso de hojas transparentes de celuloide en 1915, que permitían superponer las imágenes en movimiento a un fondo fijo, este método fue mejorado por Raoul Barré, quien fue el primero en reforzar los márgenes de los dibujos para asegurar su estabilidad durante las tomas de cámara.

En 1914, Winsor McCay creó “Gertie el dinosaurio” un corto animado que destacó puesto que el personaje fue el primero en tener personalidad y carácter en animación, posteriormente Pat Sullivan crea la serie “Felix the cat” en 1919, y en 1928 apareció Walt Disney con “Steamboat Willie”, primera en tener sonido impregnado.

Mientras el cine y la fotografía prosperaron con cada avance, los aspectos socioeconómicos y políticos en Francia y Estados Unidos también cambiaron en la época en que Émile Cohl vivió.

Nos encontramos en la segunda mitad del siglo XIX en Francia, cuando se produce un entusiasmo por los avances técnicos que trae consigo la revolución industrial, a pesar de que no podemos hablar de una revolución propiamente dicha para Francia, sino más bien de un desenvolvimiento, puesto que la economía francesa se transformó lenta y gradualmente, debido a las revoluciones de 1830 y 1848 que fracasaron y acabó instaurándose el régimen autoritario de Napoleón III, en 1854 comenzó un conflicto con Crimea que no terminó hasta 2 años después en 1856, así como la guerra franco-prusiana de 1870, hechos sistemáticos que mermaron Francia de hombres y recursos que retrasaban el avance económico del país.

Cabe mencionar que unos años después del nacimiento del artista que nos ocupa (Émile Cohl), en 1859, Charles Darwin expuso la teoría de “El origen de las especies”, esto debido a que la segunda mitad del siglo estuvo marcada también por una “fe” en la ciencia como motor del progreso social, fe que también llegó a las humanidades con Marx en su manifiesto comunista publicado en 1848.

Artísticamente nace el realismo de la mano de pintores como Camille Corot o Gustave Courbet que evolucionó al impresionismo durante el último tercio del siglo con pintores como Monet, Renoir, Manet… que pretenden reproducir la impresión de la naturaleza sin tanta precisión.

Figura 5. “Seine and old bridge at Limay”, Camille Corot 1872

En literatura nació la novela realista cuyo uso se extiende hasta finales de siglo, y consiste en representar la sociedad con exactitud y objetividad, en contraposición a la fantasía e imaginería de la novela romántica ya consolidada en la época. La novela realista se consolida con la publicación de “Madame Bovary” de Flaubert en 1857, quien en 1869 publica la que muchos consideran su mejor obra: “La educación sentimental”. En 1880 surge la novela naturalista que deriva de la novela realista, en un intento de representar la realidad de manera científica, el mayor impulsor de este género fue Émile Zola, a pesar de esto la novela naturalista tuvo una vida efímera y para 1891 puede considerarse finalizado.

Paris tuvo un importante cambio demográfico y urbanístico en esta segunda mitad de siglo de la mano de Georges-Eugène Haussmann, quien mandó derribar barrios enteros y sustituirlos por edificios que flanqueaban cerca de 50 kilómetros de avenidas arboladas, se calcula que entre 1853 y 1870 se construyeron cerca de cuarenta mil nuevos edificios, y la ciudad fue prácticamente rediseñada. Paralelamente a esto, París cuadruplicó su población durante el total del siglo XIX, y mientras tenían lugar las reformas urbanísticas mencionadas anteriormente, las capas más pobres de la población fueron desplazadas hacia las afueras, siendo sustituidos por una nueva clase media procedente de la burguesía, que eran los poseedores de la mayor parte del poder económico.

Como hemos comentado en su biografía, Émile Cohl dejó Francia en 1012 y se fue a Estados Unidos, donde ese mismo año las mujeres hacían campaña por el derecho al voto femenino, que no fue hasta 1920 que lo consiguieron.

En 1914, el asesinato del archiduque Francisco Fernando dio inicio a la Gran guerra, que más adelante pasaría a ser conocida como la Primera guerra mundial, que no terminó hasta 1918; aunque fue en 1917 cuando Estados Unidos se sumó a la contienda tras un ataque submarino alemán en contra de barcos estadounidenses.

Tras la guerra se sobrevino un período convulso en el que los países se habían empobrecido y Estados Unidos se convirtió en una potencia al ser el único que podía ayudar a los países europeos a sobrellevar la crisis, sin embargo, la gran depresión de 1929 puso en jaque la economía del país, y proyectó en gran medida el escenario para la Segunda guerra mundial, que dio inicio en 1939, un año después de la muerte de Émile Cohl.

Estilo

Tenía una técnica sospechosamente parecida a la de Blackton, las figuras dibujadas en línea blanca sobre un fondo negro y la mano del artista integrado en la animación, técnica que, en realidad, estaba hecho con una pluma o algo parecido sobre una hoja normal y corriente, solo que después las imágenes las pasaron a negativo, así conseguían el efecto pizarra.

Emile tenía su estilo propio que lo destacaba entre los demás, estilo que mantuvo sin variar mucho. Lo más destacado de su estilo de dibujo son los Fantoches o hombres palo, esto viene de su maestro al que estaba muy unido André Gill, que para ridiculizar a las personas que caricaturizaban los dibujos con una cabeza enorme sobre un cuerpo ridiculamente pequeño y estirado.

El método que tenía de animar, era muy intuitivo, con personajes muy simplificados y escenarios casi  neutros, pero en cambio, se permite una gran creatividad.

Su estilo narrativo, no tiene nada que ver con la típica estructura de presentación, nudo y desenlace, sino que las escenas suceden con un flujo continuo donde tienen un gran protagonismo. 

Los sueños, las pesadillas y las alucinaciones fueron sus temas preferidos. En la forma de hacer sus videos, sus dibujos varían su tamaño y figura de formas completamente irreales y así se transformaban en otras cosas,  historias diferentes, eso se debe a que Cohl quería experimentar y  descubrir el abanico de posibilidades que le ofrecía la animación para crear cualquier cosa y contar diferentes historias.

Georges Sadoul, importante historiador cinematográfico de principios del siglo XX, reconoció que Cohl “no fue solamente un extraordinario técnico, creando o desarrollando diversos procedimientos, sino también era un gran artista, gracias a la precisión maliciosa de sus dibujos y a su fantasía extravagante. Es el más directo antecesor de la animación moderna”.

Referentes e influencias: técnicos, estéticos y narrativos

Como precursores de la técnica de la animación, podemos nombrar diferentes inventos como: taumatropo (1820-1825), fenaquistiscopio (h.1832), el zoótropo (1834), fotografía (daguerrotipo, 1839), teatro praxinoscópico (1877) y Toupie fantoche (1879) de Charles-Émile Reynaud y el cinematógrafo (patente Lumière 1895).

Peter Mark Roget, realizó los primeros experimentos ópticos de imágenes y movimiento. Presentó en 1824 la teoría de la persistencia de la visión y cómo el cerebro generaba la ilusión de continuidad. Para ello calculó la duración de las impresiones de las imágenes en la retina.

El Collage y la fotografía. Pictorialismo fotográfico. A mediados del s. XIX, Henry Peach Robinson y Oscar Gustav Rejlander, realizaron combinaciones de negativos para crear una imagen en positivo con elementos que pertenecían a fotografías diferentes, llegando a obtener resultados extraños.

Charles-Émile Reynaud, con su Teatro óptico, proyectaba dibujos generando ilusión de movimiento. Tecnología que combinaba con la linterna mágica para la proyección de fondos y el praxinoscopio para los personajes animados. “Pauvre Pierrot” 1822.

Teatro óptico de Émile Reynaud.Figura 1: Teatro óptico de Émile Reynaud.

Étienne Jules Marey. Inventor en 1882 de la cronofotografía, analiza los movimientos humanos y animales, base técnica de la cinematografía, inspirando a los hermanos Lumière.

Figura 2: Marey. Movimiento salto, 1886.

 Figura 3: Le squelette joyeux., Lumière. 1898

La fotografía. Desde finales de los años 30 del s. XIX, presenta al espectador una experiencia similar a la mirada, reproduciendo todo el campo visual. Son los Impresionistas (primera exhibición 1874) los que producen un cambio en la mirada del espectador, recortando las figuras, experimenta con la perspectiva, la luz, aplican el enfoque y desenfoque.

Émile Cohl. En su cartel anunciador como fotógrafo retratista “retrato con parecido garantizado” 1883, anticipa su estilo como realizador de dibujos animados, la descomposición de la figura, con conexiones con los Incoherentes. Su interés por la fotografía le fue útil cuando en 1908, comenzó a realizar dibujos animados filmados fotograma a fotograma, pionero del género.

Figura 4:” Retrato con parecido garantizado”, 1883. Émile Cohl. 

El cine de animación está conectado con las artes gráficas y la ilustración. Con las tiras cómicas y las caricaturas en los medios de masas, se creó un nuevo código como primer principio de vanguardia. Mediante la utilización de estereotipos cómicos y de la realidad social, se llevó a cabo la deconstrucción (dotando de nueva estructura), las incongruencias, los dobles sentidos, las combinaciones extravagantes. La industria del cine, toma de ellos los argumentos para el tratamiento de una imagen real, “El regador regado” de Lumière, 1895. Incluso relacionando el campo real y las representaciones icónicas.

Figura 5: Fragmento de la tira cómica de Hermann Vogel , 1887 en que se inspira la cinta.

Figura 6: Lumière. Fotograma “El regador regado”, 1895

Émile Cohl como ilustrador de caricatura, encuentra en el cine los mecanismos para mostrar su filosofía. Se anulan los límites: construcciones temporales, movimiento del marco, cambios en el espacio y tiempo. “La pesadilla del fantoche” 1908, se van transformando los objetos en figuras humanas y al revés.

Las experiencias artísticas del s. XIX y procesos deconstructivos. El espectador como objeto de interés artístico. La sobreestimulación, da lugar a una serie de cambios respecto a la inestabilidad del significante, disfrutar de la deconstrucción, de la incoherencia, de la incertidumbre.

Èmile Cohl y los Incoherentes. Miembro activo del movimiento desde 1881 hasta 1893. Su influencia se muestra su estructura narrativa, donde las escenas se suceden en un movimiento continuo siendo protagonista la transformación, la metamorfosis. Traslada su filosofía a los temas elegidos: la alegría forzada, sueños, pesadillas, alucinaciones, las visiones irracionales. “El pintor neo-impresionista” 1910, recoge los monocromos de Alphose Allais 1897, el cual hace referencia a “cuadro negro” de Bilhaud 1882, compañero del movimiento de los Incoherentes. Donde se crean dudas, lleno de juegos sinsentido,con apariciones y desapariciones, construcción y destrucción. 

Figura 7:  Fragmento “El pintor neo-impresionista” 1910. Cohl.

  Figura 8 : A . Monocromos de Alphose Allais 1897. B.“El pintor neo-impresionista” 1910. Cohl.

Figura 8: A. 1. Pelea de negros en una bodega durante la noche, 2. Estupor de jóvenes reclutas al ver por primera vez el azul,3. Recogida del tomate por cardenales apopléjicos  en la orilla del mar Rojo, 4. La manipulación del ocre por cornudos con ictericia, 5.Ronda de borrachos en la niebla, 6. Proxenetas, todavía en la flor de la vida y del comercio sobre la hierba, bebiendo absenta, 7. Primera comunión de niñas cloróticas bajo una nevada. B En cada cuadro se desarrollan dos episodios narrativos, excepto en el cuarto, primero aparecen los motivos necesarios que responden al título y en una segunda fase cosas que no están anunciadas y contribuyendo a desorganizar la visión que se había conseguido construir.

E. Cohl parece anticipar el Arte de Vanguardia. En la obra “El pintor neo-impresionista” la escoba que le ofrece el pintor como una obra artística más, recuerda  un readymade de Duchamp “Rueda de bicicleta” 1913, y al arte Dada, el arte Conceptual y Fluxus.

Figura 9: Fotograma. “El pintor neo-impresionista” 1910. Cohl.

Figura 10: “Rueda de bicicleta” 1913, Duchamp.

Marcel Duchamp dirige “Anémic Cinéma” 1926 con Man Ray como director de fotografía. Rotoreliefs.

  Figura 11: Fotograma. “Anémic Cinéma” 1926. Duchamp

Además, con su narrativa onírica y el mundo de los sueños al Surrealismo; con sus monocromos al Suprematismo (Malévich) y, alcanza al hombre que inventó un color, Yves Klein; de la presencia de lo cómico en el arte contemporáneo.

Artistas de vanguardia en el mundo de la animación, precursores de Cohl, experimentan seducidos por el movimiento de objetos y figuras, tengan o no intenciones narrativas.

Georges Méliès “Una noche terrible” 1896, explora el mundo de las pesadillas, “The Vanishing Lady”, 1896.

James Stuart Blackton. utilizará la técnica desarrollada por Chomón como complemento de los dibujos animados. “The Humpty Dumpty Circus” 1887; “Fases humorísticas de caras divertidas” 1906, donde trabaja el concepto del movimiento mediante la animación fotograma a fotograma de dibujos en una pizarra o con recortables (sin utilizar negativos ni impresos en papel en blanco), stop-motion; “Haunted Hotel” 1907, mediante el movimiento americano anima elementos reales.

Segundo de Chomón. Experimentación con varias técnicas la animación de objetos, a través de la deconstrucción del proceso mecánico, nacimiento de los efectos especiales, bajo la que se desarrollarán técnicas de animación actuales, stop-motion, “Choque de trenes” 1902, “El hotel eléctrico” 1908 también se experimenta con la pixilación. “Le Théâtre de petit Bob” 1907, “La guerra y el sueño de Momi” (1917).

  Figura  12: Fotograma. “El hotel eléctrico” 1908. Chomón

Émile Cohl, aplicó el movimiento de manivela a “Fantasmagorie” 1908, que la rodará consecutivamente. La primera película de animación realizada por completo mediante la filmación de dibujos cuadro a cuadro, abriendo así la animación al campo del grafismo. Donde explora el mundo de la pesadilla, como Méliès, al igual que “La pesadilla del fantoche” 1908. Pero mediante la metamorfosis los objetos tienen personalidad propia. Es pionero en los dibujos animados con personajes recortados, marionetas y objetos, como “Los doce trabajos de Hércules” 1910. El primer film en combinar en el mismo fotograma animación stop-motion e imagen real “Los inquilinos de al lado” 1909. Pixilación en la película “Jobard ne peut pas voir les femmes travailler” 1911.

Figura 13: «Los inquilinos de al lado» 1909. Cohl

Escribía sus argumentos mientras los iba rodando. Colocaba un dibujo delante de la cámara, lo fotografiaba, lo calcaba en otra hoja con unos ligeros cambios, e iba fotografiando cada dibujo hasta el final, en “Fantasmagorie” utilizó más de 700 dibujos en papel de arroz cada uno doblemente expuesto para preservar el efecto de pizarra. Inventa un sistema de creación de dibujos animados mediante la colocación de las fases sucesivas del movimiento en un papel y con una mesa de luz. Narra la historia solo con animaciones, como luego haría Disney.

Su técnica, se irá desarrollando con los siguientes animadores hasta la llegada del ordenador. Su estética, mediante la utilización de diversos mecanismos, como stop-motion, la pixilación y, recursos ya sean solos o combinados utilizando diversos materiales (recortables, marionetas, papiroflexia) seguirán aplicándose y, se incorporarán otros nuevos. Su narrativa, con una estructura inusual, no ortodoxa, logrará permanecer en el medio, todo ello a través de una filosofía de lo absurdo, de lo cómico, inherente por su pertenencia al movimiento de los Incoherentes. Anticipándose con la realización de películas intertextuales a los trabajos de cineastas de vanguardia que en los años veinte contaron con expresividad historias complejas y experimentos de vanguardia; así lo muestra Cohl en “El pintor neo-impresionista”, una relación de diálogo con las obras de Allais. Mostramos a continuación animadores y artistas que recogen su legado.

Disney también se fijaría en Windsor McCay, en el corto de “Gertie” 1913, el primer personaje animado que desarrolló personalidad propia (parecía interactuar). Siguió la línea de la experimentación y del asombro de Cohl. Evolucionando y transmitiendo las tres  dimensiones.  “Little Nemo” 1911, “Morfheus Mike” 1915 con figurillas de arcilla, “The Dinosaur and the Missing Link” 1917 las recubre de goma transparente y con esqueletos de articulaciones metálicas,  “The Sinking of de Lusitania”, 1918. “Dream of the Rarebit Fiend” 1921.

Figura 14: Fotograma Gertie 1913. Mc Cay

John Randolph Bray patentó muchos de los métodos de McCay. Buscó una forma más eficiente, utilizando tinta para imprimir cientos de fondos idénticos en papel de calco dejando espacios en blanco para dibujar los elementos móviles, método lanzado en 1910. Inventó el sistema celular. Junto a él trabajó Max Fleischer, que patentó la rotoscopia, imágenes animadas detalladas y realistas en 1919, copiando la acción sobre una hoja de papel. Fleischer, fundó su compañía, competencia directa de Disney. Creando “Modeling” 1921, en la que utiliza plastilina. En 1930, diseñó Betty Boop y Popeye.

Con Earl Hurd se desarrolla el proceso de animación. Patentó una técnica similar “cells”, dibujaba los personajes en celuloide transparente que luego se colocaban sobre escenas de fondo de pintura y se fotografiaban. Lanzó la película a color 1920. Junto con Otto Messmer, produce “Felix the cat” combina situaciones surrealistas, 1923, de gran éxito dio lugar a una línea de montaje. 

 Figura 15: Otto Messmer

La técnica de los “cells” permitió ofrecer una rudimentaria sensación de profundidad visual reutilizando los fondos muchos más elaborados. Una de las primeras películas en utilizar esta técnica fue Èmili Cohl “Le Vent” 1914. Siendo la última película animada a mano, “La Bella Durmiente” 1959 Walt Disney.

 Figura 16: “La Bella Durmiente” 1959 Walt Disney.

Walt Disney. La cámara multiplana al final de la década de los años treinta, evoluciona de la técnica de animación de exposición de fotograma a fotograma, por la necesidad de encontrar una manera de representar muchos planos en una toma. Proporcionando mayor realismo y expresividad. Utilizada por primera vez “The Old Mill” 1937. Actualmente, este recurso se combina con técnicas de computación.

Figura 17:  “The Old Mill” 1937 Walt Disney.

Willies O’Brien. Animación stop-motion, mediante el modelado en arcilla, irá desarrollando la técnica, la filmación con cristal. “Morpheus Mike”, “The Dinosaur and the Missing Link” 1917, “King Kong” 1933, “The Lost World” 1925 y remake 1960.

 Figura 18: Fotograma. “The Lost World” 1925. O’Brien.

Lotte Reiniger. Se adelantó a la técnica del multi-plano que llevó a la fama a Walt Disney. “Las aventuras del príncipe Achmed” 1926, técnica cut out.

Se inicia en 1920 el “cine abstracto” en Berlín, que unía la idea de espacio y tiempo mediante el ritmo. Representaban el mundo imaginario, con discursos intertextuales, vinculados a la pintura, la música. Las representaciones geométricas de Viking Eggeling “Symphonie Diagonale”, comenzada en 1921. Hans Richter, experimentó con el cubismo “Rhythmus 25” (1925). Walter Ruttmann, crea innovaciones tecnológicas y experimenta con la reacción del público “Berlín, sinfonía de una gran ciudad” 1927. Norman Mc Laren, la línea y el punto, sonido, ves lo que escuchas; utiliza pixilación en “Neighbours”, 1952. Oskar Fischinger, combinaba la música, la geometría con patrones visuales complejos; “Komposition in Blue” 1935; “Poema óptico” 1937 para la segunda Rapsodia de Liszt, MGM; aportación en Fantasía de Disney “Tocata y Fuga en re menor de Bach” 1940. Fischinger, se relaciona con John Whitney, animador, compositor e inventor, considerado como padre de la animación virtual.

Figura 19: Fotograma. Komposition in Blue, 1935. Fischinger.

Wladislaw Starewicz, se encuentra entre los pioneros del stop-motioncreando un mundo onírico. “Lucanus cervus” 1910 con la filmación de animales disecados a modo de marionetas parece ser que inspirado en la película de Émile Cohl, “Las cerillas animadas” 1908. “Prekrasnaya Lyukanida” 1912, stop motion con muñecos. Con la fábula “El Cuento del Zorro” 1930, inspira a Wes Anderson para “Fantastic Mr. Fox” 2009. Influencia en los Hermanos Quay, en Terry Gilliam, referencia para Tim Burton para “Pesadilla antes de Navidad” 1993, inspirada “Fetiche la mascota”, 1933. O en Charlie Kaufman “Anomalisa” 2015.

Figura  20: “Las cerillas animadas” 1908.

 Figura 21: “Le Tout Petit Faust” Émile Cohl.

Figura22: Fotograma.“El Cuento del Zorro” 1930, Starewicz.

Figura 23: “Fantastic Mr. Fox” 2009. Wes Anderson

Figura 24: “Fetiche la mascota”, 1933. Starewicz.

  Figura 25: Fotograma. «Pesadilla antes de Navidad» 1993. Tim Burton.

Figura 26: Fotograma. “Fetiche la mascota”, 1933. Starewicz.

Autores más recientes, técnica stop-motion: 

Figura 27; Wallace y Gromit  cortometraje “A grand day out” Nick Park, 1989, 

Figura 28: Fotograma. “El canto de la horca” 2014 Bessoni

Figura 29: «Anomalise» 2015. Charlie Kaufman

   Figura 30: First look 2014. Pinocchio. Guillermo del Toro (estreno 2021)

George Pal, en 1931 crea su propia empresa, perfeccionó la técnica de stop motion, llamada primero Pall-Dolls, luego Puppetoons, reemplazando muchos modelos en vez de modificar una sola marioneta, pose a pose, movimientos, gestos o expresiones son filmados de forma secuenciada a razón de 24 tomas individuales por cada segundo de montaje final. Técnica utilizada puntualmente por Starewicz en “Le mariage de Babylas” 1921, y cortometrajes de insectos. Pal fue experimentando con la animación a reemplazo, siendo una de los procedimientos imprescindibles de la animación stop motion actual. “La guerra de los mundos” 1953 combinaba acción real con efectos de imagen y sonido, “El pequeño gigante” 1958. Otros autores “Madame Tutli-Putli” de Chris Lavis & Maciek Szczerbowski (2007). “Strings” de Anders Rønnow Klarlund (2004), el primer largometraje realizado íntegramente con puppetoons. El estudio Pal formará entre otros a Ray Harryhausen.

    Figura 31: Thunderbirds 1965-1966 (Reino Unido) 32 episodios de 50 minutos. Gerry Anderson

 Figura 32 “Strings” de Anders Rønnow Klarlund (2004)    

 Figura 33: “Madame Tutli-Putli” de Chris Lavis & Maciek Szczerbowski (2007)

Obras con perfeccionamiento a través de pixilación, variante en que el objeto que se anima es una persona real: “Food” de Jan Švankmajer (1992), “Doxology” de Michael Langan (2007). “Two Gentlemen of Honour” de Joe Dearman y Giles Paxton (2012).

Figura 34: “Hotel eléctrico” 1908  Chomón.

Figura 35: “Neighbours” 1952. Norman Mc Laren.

Figura 36: “Doxology” de Michael Langan  2007

El humor por lo absurdo:

 Figura 38: “Mr Magoo”. Gerald Mc Boing Boing (UPA)  1949

 Figura 39:” Ren and  Stimpy” Kricfalusi  1991

 Figura 40: “Cow and chicken” David Feiss 1997

Figura 41; “El Asombroso mundo de Gumball” Ben Bocquelet 2011

Obra

Contrario a lo que se pueda pensar debido a la maestría de su técnica, Émile Cohl, antes de dedicarse a las películas de animación y al cine, trabajó en varias revistas como dibujante y caricaturista, creando polémicas viñetas y tiras cómicas, y no fue hasta 1907, cuando ya contaba con 50 años, cuando aceptó un contrato con los estudios Gaumont cómo guionista y empezó a realizar cortos animados. 

Su interés por el dibujo destacó desde que era pequeño, así como sus dotes humorísticas y su interés por el teatro de marionetas.

En los inicios de su carrera profesional trabajó como aprendiz de joyero, en una agencia de seguros, y como filatelista. En 1878, se volvió el ayudante de André Gill, famoso caricaturista de la época, y que posteriormente influyó en su estilo. Émile consiguió hacerse famoso debido al escándalo que causaron dos de sus viñetas que criticaban las acciones del entonces presidente Francés MacMahon. Como resultado, perdió el trabajo y en 1879 fue condenado a diez días en prisión por ridiculizar al presidente, pero el incidente le hizo ganar renombre.

Figura 42: ilustración de Émile Cohl.

Cohl se convirtió en uno de los miembros de los “Hidropathes”, grupo artístico del París del momento, y junto con ellos fundó la revista “L’Hidropathe” en 1879. En esta época, coescribió junto con el arquitecto Edouard Norés dos obras de teatro: “Plus de Têtes Chauves”(1881) y ‘Auteur Par Amour’ (1882, aunque ninguna de las dos tuvo éxito. 

En 1882, los “Hidropathes” se disgregaron y Cohl se unió a otro grupo artístico: “Les Incohérentes”, y se convirtió en el editor jefe a cargo de su revista “La Nouvelle Lune”, para la que también realizó diversas caricaturas. “Les Hidropathes”, eran famosos por su humor absurdo y crudo que contrastaba con sus dibujos de estilo infantil. Cuando perdieron novedad en 1888, Cohl se mudó a Londres, dónde pasó 10 años trabajando para la revista “Pick Me Up”. 

En 1896 regresó a París dónde trabajó como ilustrador y escritor colaborador en distintas revistas como L’Ilustré National. En 1898, realizó tiras cómicas y dibujos para Polincinelle y Le Rire de carácter antisemítico en las que apoyaba la conversión del capitán Alfred Dreyfus, que había sido acusado falsamente de traición y expulsado del ejército. 

Finalmente, en 1908, cuando trabajaba para Gaumont cómo guionista y realizando algunos efectos especiales para películas en vivo,  se estrenó su primer corto: “Fantasmagorie”cuyo título hace referencia a un aparato similar a la linterna mágica,, en el théatre du gymnàs, como parte de un programa de cine de verano y desde entonces y gracias a su éxito, realizó otros con características similares: ‘Le Cauchemar du Fantoche’, 1908), and ‘Un Drame Chez Les Fantoches’ , 1908).

Figura 43: Fotograma de “Fantasmagorie”, (1908).

En su apariencia cómo de dibujos hechos con tiza podemos apreciar la influencia de Blackton, pero mientras que las animaciones de este estaban realizadas con tiza sobre una pizarra, las de Cohl se habían hecho a lápiz sobre hojas de papel de arroz que después se habían fotografiado y pasado a negativo, causando la misma impresión.

En este corto aparece por primera vez Fantoche, personaje al que recurrirá en futuras películas. Podemos considerar que es el primer protagonista icónico de una producción animada que se desarrolla a lo largo de varias historietas.

Figura 44: El Fantoche, de Émile Cohl.

En otra de sus películas, “The Hasher’s Delirium” (1908), de nuevo, Émile aprovecha las características del medio animado para mostrar los delirios de un hombre borracho que mutan y se transforman y se vuelven cada vez más aterradoras hasta que culminan en un estado de autodestrucción en el que se consume a sí mismo.

Figura 45: Fotograma de “The Hasher’s delirium”, (1908).

A partir de este momento (1908) y hasta 1923 filma más de 300 películas, de las que actualmente se conservan 65. 

Entre 1908 y 1910 realiza unos sesenta cortometrajes en los que demuestra una imaginación desbordante y una técnica refinada. Entre ellos se encuentran: “Les Joyeux Microbes”, “The Hasher’s Delirium” y “La Lampe Qui File”. En algunas de las películas en las que trabajó para Gaumont mezcla imágenes reales con animación. 

En 1910, Cohl abandonó los estudios Gaumont para entrar en Pathé, donde siguió realizando efectos especiales para una serie de comedias en acción real. Y continuó su producción animada con “Le Tout Pétit Faust”, la primera película de marionetas en stop motion; “La Peintre Néo-Impresioniste”, animada en color; y “La Bataille d’ Austerlitz. Todas del mismo año.

Figura 46: Fotograma de “Les Joyeaux Microbes”, (1909).

Durante 1911 dirigió diez películas de imagen real, y en una de ellas se originó la pixilación, y ése mismo año se trasladó a Eclipse aunque siguió produciendo para otros estudios como Éclair, para el que realizó la primera serie animada basada en tiras cómicas. En su caso en “The  Newlyweds”, popular cómic de Gorge McManus que se publicaba en el periódico. La serie ,de 1912, tuvo un gran éxito en Estados Unidos, aunque no consiguió aumentar la fama de Cohl en el país.

En 1914 Cohl regresó a París por asuntos de índole familiar, y durante su visita, un incendio destruyó gran parte de las películas de Éclair. El trabajo de Cohl también se quemó. Hoy en día sólo se conservan dos de esas películas.

Con el comienzo de la Primera Guerra Mundial, tras la ocupación de París por parte de los alemanes, Cohl ya no pudo viajar o enviar sus películas a los Estados Unidos, pero continuó colaborando con Éclair. En este periodo realizó junto al ilustrador Benjamin Rabier una serie animada basada en sus cómics: “Les Dessins Animés de Benjamin Rabier”. La serie gozó de cierto éxito local, pero la participación de Cohl en el proyecto se vió interrumpida cuando este se quejó de que no se le reconocía su trabajo en los anuncios. Tras este incidente, Rabier siguió creando la serie en solitario, y Cohl pasó a realizar una segunda serie, esta vz basada en las trias cómicas de louis Forton “Les Pieds Nikelés, que fue cancelada cuando las Fuerzas Aliadas liberaron París en 1918.

Por lo general, su producción de obra animada se caracteriza por la simplicidad del diseño: (figuras de palotes, situadas en un espacio sin fondo o en un entorno poco definido. Por la gran capacidad imaginativa. Pero sobre todo por la innovación y la experimentación. Cohl es un director que prácticamente explotó todas las facetas del cine de su época: imagen real, animación 2D, animación en color, animación con marionetas, pixilación… que a menudo mezclaba en una misma película para generar el resultado que quería. También produjo en diversos géneros: adaptaciones de tiras cómicas, anuncios animados, cortos…

Temáticamente es representativo el motivo de la transformación y el cambio, al que acude de forma recurrente. En sus películas son frecuentes las apariciones de metamorfosis absurdas y delirantes, que desvelan la influencia de las vanguardias, en especial del absurdismo y el dadaísmo. 

Enlace con el listado de Obras en las que participó Émile Cohl:

https://www.imdb.com/name/nm0169871/